biography (english)

 

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Patrick Lemke

 

Lives and works at Berlin, Germany

 

 

 

2016 – 2017

After more than a hundred drafts and studies in 2016, Patrick Lemke paints on two walls of Town Hall II in the format of 8 x 30 meters in Fröndenberg an der Ruhr.
The issue of two art editions and donations from citizens and companies allow the facade painting.
Further funding is provided by the Cultural Foundation of the Westfälische Provinzial Versicherung, the Iniativkreis Fröndenberg and the Cultural Committee of the district of Unna.

 

2013 – 2017

Recent works are focussing on the theme and narrative representations of construction sites.

 

2010

In the artprogram for the FIFA-World Cup in South Africa, Patrick Lemke is invited to several exhibitions in Africa.

The exhibition „2010 Fine Arts Collection“ is shown also in other international institutions.

 

2008

Scholarship Kuenstlerhaus Cuxhaven

 

2007

Artist in residence, Starke Foundation, Berlin

 

2006

Lectureship for Painting and Drawing at the Art School Wegberg

 

2005

Study visit at Egypt (Luxor, Edfu, Cairo)

 

2004

His work is documented in the movie „I cannot close my eyes“ (directed by Kevin Clark, Cinematographer Winnie Heun).

 

2003

European Prize of the Boston Consulting Group Munich

 

2001

Markus Luepertz-Prize

 

2000

Prize of the Art Academy Duesseldorf, residence at Italy (Roma, Assisi, Siena)

Guest Residence at the Villa Romana, Firence, Italy

 

1999

Prize of the Hypothekenbank Essen

Works at the Ar-Toll-Laboratory, Bedburg – Hau

 

1996-2001

Studies at Art Academy Duesseldorf

 

1994-1996

Studies at Art Academy Berlin

 

1993

The exhibition of his drawing „The penis of Adolf Hitler“ turns into a scandal documented by TV and newspapers

 

1992-1994

Scholarship of the National Union of the Raiffeisenbanken

 

1992

He moves to Hamburg

 

1976

Family returns to Germany

 

1972

Born at Montreal, Canada

 

 

Exhibitions (selected)

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2018

„Frontage“, Gallery Thomas Kreuzer, Heimbach (SE)

Starke Foundation, Berlin (GE)

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2017

„Lightshow“, Gallery kreuzer, Moers (SE)

„Favourites – the old, the new, the only one“, Gallery Goltz at the Philharmonic, Essen (GE)

„Summer journey“, Gallery kunst-raum schulte-goltz+noelte, Essen (GE, catalogue)

„ArtChristmas“, Starke Foundation, Berlin (GE)

 

2016

„small wonders“, Gallery Goltz at the Philharmonic (GE)

„Index 16“, Gallery kunst-raum schulte-goltz+noelte, Essen (GE)

„ArtChristmas“, Starke Foundation, Berlin (GE)

„Favorites – the old, the new, the only one“, Gallery Goltz at the Philharmonic (GE)

„Summer journey“, Gallery kunst-raum schulte-goltz+noelte, Essen (GE)

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2015

„Theory of Light“, Kunstverein Froendenberg (SE, catalogue)

„Summer journey – through international artist`s studios“, Gallery kunst-raum schulte-goltz+noelte, Essen (GE)

„Index 15 – listen to your eyes“, Gallery kunst-raum schulte-goltz+noelte, Essen and Villa Friede, Bonn (GE, catalogue)

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2014

„HELLØWEEN“, The Idling Gallery, Berlin (GE)

„Artists of the Gallery“, Gallery Goltz, Essen (GE)

„Index 14 – listen to your eyes“, Gallery kunst-raum schulte-goltz+noelte, Essen (GE, catalogue)

„ArtChristmas“, Starke Foundation, Berlin (GE)

„Summer journey – through international artist`s studios“, Gallery kunst-raum schulte-goltz+noelte, Essen (GE)

 

2013

Transformer Station Neukoelln, Berlin (GE, with Dominika Schoenfeldt and Andreas Neu)

„48 Hours Neukoelln“, Berlin (GE)

„Artists of the Gallery”, Gallery Goltz, Essen (GE)

„Index 13“, Gallery kunst-raum schulte-goltz+noelte, Essen (GE, catalogue)

„Fellows of the Starke Foundation“, Starke Foundation, Berlin (GE)

„Summer journey – through international artist`s studios„, Gallery kunst-raum schulte-goltz+noelte, Essen (GE)

„Raum und Grenze“, Museum Pachen, Deutsche Kunst des 20. Jahrhunderts, Rockenhausen (SE)

 

2012

„Phenomenon“, Gothic House / Museum of History, Berlin (SE)

„Rooms“, Museum of Technology, Hilden (GE, catalogue)

„Paintings“, Gallery Gecko, Solingen (SE)

„Fellows of the Starke Foundation“, Starke Foundation, Berlin (GE)

„Underrated.overkilled“, Berlin (SE)

„Summer journey“, Gallery kunst-raum schulte-goltz+noelte, Essen (GE)

„Lange_weile – approaching an unloved“ Factory Forum, Berlin (GE, catalogue)

„Index 12“, Gallery kunst-raum schulte-goltz+noelte, Essen (GE, catalogue)

 

2011

„Listen to your eyes – index 11“, Gallery kunst-raum schulte-goltz+noelte, Essen (GE)

„Fellows of the Foundation Starke“ Starke Foundation, Berlin (GE)

„Artists of the gallery“, Gallery Donath, Troisdorf (GE)

 

2010

„2010 Fine Arts – FIFA WM South Africa“, 2010 Fine Arts, Cape Town, Tokio, Paris, London, Berlin (GE)

„2010 Fine Arts Collection“, German Olympia Museum, Cologne (GE)

„Accrochage“, Gallery Mediterrane, Neapel, Italien (GE)

„blue sky“, Civic Gallery, Joetsu City, Niigata Prefecture, Japan (GE)

„Highlights“, Gallery kunst-raum schulte-goltz+noelte, Essen (GE)

„Index 10“, Gallery kunst-raum schulte-goltz+noelte, Essen (GE, catalogue)

„blue sky“, Imai Museum, Mitsuke City, Japan (GE)

 

2009

“playgrounds”, Starke Fondation, Berlin (SE)

“crosses”, St. Joseph, Froendenberg (GE)

“Index 09”, Gallery kunst-raum schulte-goltz+noelte, Essen (GE)

“the reality of art”, Starke Fondation, Berlin (GE)

„contemporary art ruhr“, Essen (GE)

“Waschimps – Lemke”, Gallery Mediterrane, Napoli, Italy (SE, with Elio Waschimps)

„Artists of the gallery“, Gallery Kreuzer, Forum for Contemporary Art Heimbach (GE)

 

2008

“Transformation”, Ostrale ` 08, Centre for Contemporary Art, Dresden (GE, catalogue)

 “The invention of weights and measurements”, Kuenstlerhaus, Cuxhaven (SE)

“Index 08”, Art – Room, Room for Young Art, Essen (GE)

Gallery Donath, Troisdorf (SE)

 

2007

“Spots of silence”, Gallery artwork, Viersen (SE, with Johanna Rzepka)

“Playgrounds”, German Union for Development of Staff, Duesseldorf (SE)

Art Karlsruhe, with Gallery Kreuzer, Forum for Contemporary Art Heimbach

List Cologne, with Gallery Kreuzer, Forum for Contemporary Art Heimbach (catalogue)

„The invention of weights and measurements“, Communal Art Gallery, Meerbusch (SE)

“Sleeping screens”, CJD, Bonn (SE)

“Studys”, Gallery Donath, Troisdorf (SE)

„Index 07“, Art – Room, Room for Young Art, Essen (GE)

 

2006

Cologne Fine Art, with Gallery Avantgart, Forum for Contemporary Art Heimbach

Art Karlsruhe, with Gallery Kreuzer, Forum for Contemporary Art Heimbach

Artbunker Moenchengladbach (GE)

Monastery Wegberg (GE)

“I cannot close my eyes”, French Culture Institute, Vilnius, Lithuania (SE)

art fair.06, Cologne, with Gallery Kreuzer , Forum for Contemporary Art Heimbach (catalogue)

“I cannot close my eyes“, Art – Room, Room for Young Art, Essen (SE)

“Steel”, Eurogress Aachen (SE)

„Index 06“, Art – Room, Room for Young Art, Essen (GE)

“Terre des femmes”, Society Isentum, Haan (GE)

 

2005

“The architecture of horizons”, Gallery Kreuzer, Forum for Contemporary Art, Heimbach (SE, catalogue)

“Artists of the gallery”, Gallery Christine Hölz, Duesseldorf (GE)

Kunstkoeln, with Gallery Kreuzer , Forum for Contemporary Art Heimbach

Art Karlsruhe, with Gallery Kreuzer , Forum for Contemporary Art Heimbach

art fair.05, Cologne, with Gallery Kreuzer, Forum for Contemporary Art Heimbach

PSD, Duesseldorf (GE)

 

2004

„Collection of the Modern Art Museum“, Modern Art Museum,

Tivat, Montenegro, Yugoslavia (GE, catalogue)

„Elephant’s Garden“, Zoo Cologne and Kunsthaus Lempertz, Cologne (GE)

„Skystudies“, Gallery Margo, Solingen (SE)

„Aufsturz“ („Updrop“), Kunstverein g.haus, Duesseldorf (SE)

„Four Drops of Red“, Gallery Donath, Troisdorf (SE)

„Shadow Air“, Gallery Joerg Theiss, Berlin (SE)

„Cyberscapes“, Art – Room, Room for Young Art, Essen (SE)

„Index 04“, Art – Room, Room for Young Art, Essen (GE)

„10 x Duesseldorf“, Art – Room Pfoch Cologne (GE)

„Inventure 2004“, Gallery Kreuzer, Forum for Contemporary Art, Heimbach (GE)

 

2003

„Stunner Clouds“, Gallery Schoen, Bochum (SE)

Gallery Donath, Troisdorf (SE)

„Artbomb 8“, Flottmann – Halls, Herne (GE)

Boston Consulting Group, Munich (GE, catalogue)

„Index 03“, Art – Room, Room for Young Art, Essen (GE)

German Union for Development of Staff, Duesseldorf (SE)

„Digital Accent“, Forum Wasserturm, Meerbusch (GE)

„Maerkisches Stipendium“, Communal Art Gallery, Iserlohn (GE)

„Hamburg and Back“, Syrius – Halls, Duesseldorf (GE, catalogue)

„Animal Encounters“, Gallery Christine Hoelz, Duesseldorf (GE, catalogue)

„Intermezzo – Accrochage. The artists of Hall 6“, Gallery Christine Hoelz (GE)

„Master Students of the Art Academy Duesseldorf“, Gallery Hengevoss-Duerkop, Hamburg (GE, catalogue)

„Modus“, Museum of Industry and Communal Art Gallery Froendenberg (SE)

 

2002

„Bass“, Communal Art Gallery and Museum Menden (SE)

„Turpentine-Coctail“, Gallery Etage 20, Duesseldorf (SE, with Leander Kresse)

„Great Shot“, German Olympia Museum, Cologne (GE, catalogue)

„Contacts“, Gallery Christine Hoelz, Duesseldorf (GE)

„Colour Defects“, Due Gallery, Bochum (SE)

Gallery Donath, Troisdorf (GE)

Inter Art Forum Gallery (SE)

 

2001

Gallery Donath, Troisdorf (GE)

Inter Art Forum Gallery, Duesseldorf (GE)

Heidelbach & Krolik, Essen (SE)

„Black“, Artpoints, Duesseldorf (SE, with Sven Vieweg)

 

2000

„Karl – Schwesig – Prize“, Museum of Fine Arts, Gelsenkirchen (GE, catalogue)

„Young Artists of the Art Academy Duesseldorf“, Communal Art Gallery, Kaarst (GE)

„Between Sky and Earth“, Kreuzkirche, Bonn (GE)

Inter Art Forum Gallery, Duesseldorf (GE)

„Ar–Toll-Laboratory“, Bedburg – Hau (GE)

 

1999

Gallery Joerg Theiss, Berlin (SE)

Gallery of Alpirsbach, Alpirsbach (GE)

PSM, Artists in Private rooms, Cologne (SE)

„Twenty past Night“, Collection Mueer, Leverkusen (SE, with Bianca Grueger, catalogue)

 

1998

Gallery Joerg Theiss, Berlin (SE)

 

1994

„Phone Art“, Art Works Gallery, Berlin (SE)

 

1993

„Menschensucht“ („Addicted to People“), Communal Art Gallery Menden and

Foreign Culture Center, Hamburg (SE)

 

1992

Neue Pinakothek, Munich (GE, catalogue)

 

SE – Solo Exhibition

GE – Group Exhibition

 

Gotisches Haus, Stadtgeschichtliches Museum Berlin, Carina S. Magnani M.A.

 

„Menschen sind wie Gemälde – mit der Zeit dunkeln sie ein“, Richard Powers – Das grössere Glück

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Patrick Lemke hat gut lachen, wenn er bunte Farbkleckse erzeugt, auf einer hohen Leiter stehend, mit Terpentin herabspritzend. Vier Tropfen Rot, ein Tropfen Schweiß: Das scheint das Geheimrezept seiner über Monate langsam wachsenden Werke. Diese Leichtigkeit und Fröhlichkeit überträgt sich auf sein Werk und damit auf den Betrachter – und doch steckt harte Arbeit hinter den willkürlich wirkenden Farben und Formen.

Es ist ein Spiel, die Leinwand das Spielfeld. Ein Spiel mit Räumlichkeit und Farben, mit Seh- und Denkgewohnheiten, erschaffen durch Intuition und Berechnung. Lemkes Bilder sind eine Zwischenwelt, die uns einlädt, auf Reise zu gehen. Uns mit den, an Giotto und Caspar David Friedrich erinnernden, Rückenfiguren zu vereinen: zu springen, zu fallen, Schatten zu werfen oder selbst Schatten zu sein, sich zu verlieren in unendlichen Räumen, wieder zu finden an haltgebenden Linien. seien es architektonische, begrenzende oder Horizontlinien.

Wir schmiegen uns mit ihnen ins Grün einer Rasenfläche, schauen ins Blau eines Himmels – und erkennen unter dem Horizont sternrunder Lichtreflexe den eigentlichen Malgrund: Das klassische Landschaftsbild. Wie ist es Lemke möglich, dieses starre Genre neu zu beleben? – Geschieht dies durch Sampling und Bricolage, durch Brechung geläufiger Muster oder durch Empathie mit den Figuren, in welchen wir uns finden?

Lemke hat sich gefunden. Nachdem er sich in Berlin zunächst dem Realismus widmete, führte seine Entwicklung einen Schritt weiter: In die Auseinandersetzung mit dem Abstrakten ohne absolute Verneinung des Realismus, wie sie Klee und Kandinsky forcierten. In Markus Lüpertz fand er an der Düsseldorfer Kunstakademie einen Professor und Mentor, der ihn durch seine künstlerischen wie menschlichen Qualitäten überzeugte. Dessen intuitiv gesetzte Farben und Formen wirkten auf Lemke authentisch und konsequent. Er wurde Lüpertz Meisterschüler.

Meister ist Lemke darin, das Paradox von Abstraktion und Realismus in dialektischer Weise zu überwinden, und so etwas Neues zu schaffen. Etwas, dessen Duktus von Leidenschaft spricht. Und vielleicht ist es ja für den Betrachter das grössere Glück, sich in Lemkes farbenreichen Gemälden zu verlieren.

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Carina S. Magnani, M.A. – Kunsthistorikerin, Berlin

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Ausstellung „playgrounds“, Stiftung Starke Berlin

Interview des Berliner Literaturmagazins „Verstaerker: Organ zur Rueckkopplung von Kunst und Literatur“ mit Patrick Lemke

 

„Verstärker: Organ zur Rückkopplung von Kunst und Literatur“

Interview des Berliner Literaturmagazins mit Patrick Lemke

 

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Patrick Lemke, Atelier Düsseldorf   (Foto: Vieweg)

 

1. Wie bist du zu „deiner Kunst“ gekommen?

Zu Beginn stand die Angst, dass, wenn nicht ich diese Bilder male, die ich male, kein anderer wahrscheinlich die Bilder malen würde und könnte. Es war eine Unruhe und ein Bedürfnis, innere und geistige Malereien sichtbar zu machen.

 

2. Wann hast du deine erste Geschichte/dein erstes Gedicht geschrieben, oder dein erstes Bild gemalt? Kannst du dich an das Thema erinnern? Gab es einen besonderen Anlass?

Im Kindergarten zeichnete und malte ich Bilderserien und Comics. Anlass war, dass ich englischsprachig in Kanada aufwuchs und ich im Alter von 4 Jahren mit meiner Familie zurück nach Deutschland zog. Da ich nicht die deutsche Sprache beherrschte, übernahmen meine Zeichnungen manchmal Funktionen der Sprache. Meine ersten bewussten und ausgearbeiteten Bilder entstanden mit sechzehn, siebzehn Jahren. Inhalte waren explodierende Blumenfelder, eine kotzende Frau, später die Genitalien von Adolf Hitler.

 

3. Hast du literarische/künstlerische Vorbilder?

In der Kunst begeistern mich Caravaggio oder Gerhard Richter. Jugendlieben waren Baselitz und Corinth. Zurzeit setze ich mich mit Katharina Grosse und Daniel Richter auseinander. Epochen wie Barock und Pop-Art sind mir sehr nahe. Am meisten lerne ich jedoch immer von gleichaltrigen Malern.
In der Literatur gibt es eine Liebe zu Robert Musils und Elias Canettis Romanen.

 

4. Welches Buch hast du zuletzt gelesen? (Welchen Film gesehen, welches
Theaterstück oder welche Ausstellung, welches Konzert besucht?)

Ich las zuletzt erneut „Die Letzten ihrer Art“ von Douglas Adams sowie das „Reich der Erfindungen“,ein Reprint von 1901, das die Entdeckungen der Technik des 19. Jahrhunderts dokumentiert. Oft bin ich bei Poetry-Slams. Zuletzt tanzte ich zu Moguai im Tribehouse. „Die hermetische Garage“ von Moebius sah ich wieder mal durch, und Matthias Köster und Junior Toscanelli bei der Galerie Schübbe waren wunderbar.

 

5. Hast du schon ein Buch veröffentlicht? Oder deine Werke ausgestellt?

Bilder gehören nicht in das Atelier oder Depot sondern an Wände. Ich stelle gerne und viel aus, in Galerien wie dem Heimbacher Forum für zeitgenössische Kunst oder dem Essener kunst-raum, Raum für junge Kunst und auf den Kunstmessen Cologne Fine Art, Art Karlsruhe oder der art.fair sind aktuelle Arbeiten zu sehen.

 

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© Patrick Lemke. Vier Tropfen Rot, 140 x 195 cm, 2004. Alle Rechte vorbehalten.

 

 

6. Wie dringend brauchst du Feedback?

Beim Prozess des Malens selber will ich die verschiedenen Welten der Sprache und des Sehens nicht vermischen. Sobald Bilder fertig werden, sind mir alle Diskussionen wichtig. Gespräche mit Malerfreunden, meinem Professor Markus Lüpertz und auch mit Sammlern waren meistens die ehrlichsten und hilfreichsten.

 

7. Wenn du dich nicht künstlerisch betätigen dürftest, was würdest du stattdessen tun?

Übergangsweise studierte ich vor meinem Kunststudium ein Semester Psychologie. Berufe, in denen eine persönliche Ehrlichkeit im Mittelpunkt steht, mochte ich immer am meisten. Auch Party- und Konzertdekorationen würden mich zu einem beruflichen Ausflug reizen.

 

8. Wo arbeitest du? Brauchst du einen „festen“ Platz? Brauchst du bestimmte Rituale, z.B. bevor du anfängst zu schreiben?

Ja, ich ritualisiere durchaus meine Arbeit. Ich arbeite in einer zum Atelier umgebauten Ballettschule in Düsseldorf-Gerresheim. Ein wichtiges Ritual ist das ständige Auslasten der Lautstärkeregelung meiner Musikanlage. Arbeitsschritte wie Skizzierungen, Pinselreinigung und Farbmischen würde ich ebenso als etwas an das Rituelle grenzende bezeichnen, da sie die Arbeit gliedern und rhythmisieren.

 

9. Kannst du von deiner Kunst leben? (Wovon lebst du? Wie lebst du?)

Von Kreditüberziehungen bis zum kleinen Reichtum kenne ich mittlerweile alles. Ich lebe von Bildverkäufen. Zudem arbeite ich als Dozent an der Kunstschule Wegberg.

 

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© Patrick Lemke. Gruß an Giovanni, 140 x 195 cm, 2004. Alle Rechte vorbehalten.

 

10. Gibt es Prägungen aus deinem familiären Umfeld, die sich in deinen Werken zeigen? (z.B. bestimmte Personen, die auftauchen, vielleicht auch bestimmte Personen, die deinen künstlerischen Werdegang von Anfang an begleitet haben?)

Es gibt von fast allen Personen in meinem engeren Umfeld vereinnahmte Werke. In vielen Arbeiten tauchen charakteristische Körperhaltungen und andere Attribute von Freunden und der Familie auf.

Identifikation hat für mich in der Kunst einen sehr hohen Wert. In großen Abständen sind ganze Bilderserien über Freunde und Freundinnen entstanden. Dahinter steht für mich die Romantik, dass man das, was man am meisten liebt, auch am Besten malen kann. In meiner Familie bin ich einer der wenigen, die nicht Germanistik studierten. Literatur, Lehramt, Theater und Journalistik sind da als Berufsfelder herausgekommen, es gab immer ein großes Bildungsideal. Als Jugendlicher beim Frühstück über Goethes Frühwerk zu diskutieren konnte hingegen auch enorm abschrecken. Meine Familie und auch Kunstlehrer förderten mich, sodass ich mit sechzehn Jahren an Schwertes Universität Akte zeichnete, in Unna bei Wilhelm Buschulte, einem sakralen Maler, Porträts. Drei Jahre später gewann ich ein Stipendium und hatte mit zehn anderen jungen Malern und Malerinnen aus Deutschland die Möglichkeit, in Ateliers auf Capri, in Bonn, München und Wien mit Begleitung von Prof. Hans Daucher und Thomas Eggelkamp zu arbeiten.

 

11. Was inspiriert dich? (Welche inneren und äußeren Faktoren beeinflussen deine Kreativität positiv oder negativ?)

Mein Gehirn neigt zu Großleistungen bei der Aktivierung aller Sinne, also beispielsweise beim Tanzen, beim Reisen, beim Sex. In solchen Situationen, Stunden und Tagen, in denen mich neue und herausfordernde Sinneseindrücke wie eine unbekannte Stadt mit fremden Gerüchen und dem Sound einer anderen Sprache, ein farbiges Licht- und Hörspektakel bei einem Konzert, das Hören eines Atems oder das Ansehen und Fühlen eines Körpers beschäftigen, bin ich zu schnelleren, eigenartigeren Gedankenspielen fähig. Auch wird dann meine optische Vorstellungskraft, die Fähigkeit zum Denken in Bildern, oft größer. Dabei entstehen die besten Ansätze und Eindrücke, die ich nach briefmarkengroßen Bildskizzierungen im Atelier verwende. Beispielsweise entstanden nach einem Unwetter, das ich auf einem Berg in der Eifel mitverfolgte, Wolkenstudien und Himmelsstudien, die einen Bauernmalereistil aufgriffen, der mich wiederum in den im Nürnberger Germanischen Museum nachgebauten Bauernküchen faszinierte.

Nach einem Open-Air-Festival in Berlin malte ich tanzende, springende Menschen, die vor roten Hintergründen wie von den Lichtanlagen einer Disco angestrahlt werden. Gleichzeitig erscheinen Kreise wie in naturwissenschaftlichen Darstellungen von Schall- und Sonarwellen. Sogar beim Schiffen auf dem Klo denke ich darüber nach, ob ich nicht irgendwie ein Bild daraus machen könnte. Unangenehm sind für mich beim künstlerischen Arbeiten klein erscheinende alltägliche Ablenkungen – Handyklingeln, wechselndes Licht durch einen Wetterwechsel, Karnevalsmusik in den zum Atelier benachbarten Musikbandproberäumen, der treibhausartige Hitzestau in manchen Sommerwochen im Atelier und auch die langen Trocknungszeiten der Ölfarbe, die ein Weiterarbeiten an einem begonnenen Bild erst Tage später wieder erlauben.

 

 

12. In welchem Kulturkreis bist du aufgewachsen? Inwieweit war das förderlich/ hinderlich für deine Kunst?

Zersplittert ist meine Kindheit in zwei Kulturen, der Kanadischen und der Deutschen. Die Indianerund Comickultur kanadischer Kinder und mein späteres Aufwachsen am Rande des Ruhrgebiets vermischten sich. Heute genieße ich es, Kulturen von diesen unterschiedlichen Gesichtspunkten analysieren zu können.

 

13. Welche fünf Adjektive charakterisieren dich überhaupt nicht?

Ich denke, dass Adjektive wie normal und bösartig, konservativ, früh aufstehend und schlecht gelaunt bei mir irreführend und auszuschließen sind.

 

14. Gibt es drei „Dinge“, die du überhaupt nicht kannst?

Ich habe eine große Abneigung gegen Gewalt, beim Schwimmen bin ich ziemlich unfähig.
2 Tage ohne Malerei bringen mich an den Rand einer persönlichen Katastrophe.

 

15. Welche drei großen Träume möchtest du dir erfüllen?

Meine Träume finden Nacht für Nacht in schönsten Ausstattungen beim Träumen und Schlafen statt. Projekte sind, das schönste Rot der Welt zu finden und die Erde zwei Sekunden lang anzuhalten.

 

16. Hast du ein Lieblingszitat, -spruch, Vers oder Buch, welches vielleicht zum Wahlspruch, Lebensmotto geworden ist?

„Ihr lacht über mich, weil ich anders bin,
ich lache über euch, weil ihr alle gleich seid.“
Kurt Cobain

Ein Zitat eines mittelmäßigen Musikers. Jedoch wird treffend die Freiheit der Kunst beschrieen.

 

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 Atelier Düsseldorf

 

17. Was ist für dich Qualität? Gibt es für dich objektive Maßstäbe, um die Qualität von Kunst zu beurteilen?

Konsequenz. Die Verwebung, das Aufeinanderaufbauen vom Formalen und Inhaltlichen muss gelungen sein, die Abstimmung zwischen dem Bildnerischen und dem konzeptuellen Anspruch muss restlos stimmen. Auch kann die Kunst Gegensätze und Konflikte feiern, jedoch sollten sich das Geistige, die Ideen und Gedanken mit dem Werk eines Künstlers gegenseitig begründen. Dann wird die Verinnerlichung eines Kunstwerkes, der stille Dialog mit dem Künstler, möglich.

 

18. Was fehlt in der Kunst oder der Kunst? Was ist deiner Meinung nach das größte Problem des modernen „Kunstbetriebs“?

Die Identifikation mit den Wünschen, Leidenschaften der Kunst und die Konzentration auf die Stille und Kraft der Bilder gehen verloren. Die durchschnittliche Dauer einer Bildbetrachtung hat den Rekord und Tiefstand einer halben Sekunde erreicht. Der Glaube an Wertvolles und Großes in der Kunst wird schwächer. Sinn und Beweggründe, Entstehung und Mehrdeutigkeit, Geschichte und Ausdruck von Kunstwerken verlieren an Bedeutung. Dass Malerei erst mit steigender Auseinandersetzung und Sehlust des Bildbetrachters ihre ganze Dramatik und verborgenen Fähigkeiten ausschöpfen kann, wird unterschätzt. Bei Großveranstaltungen wie der Documenta oder der Biennale in Venedig sieht man daher auch wenige glückliche und überzeugte Augen in den Gesichtern der Besucher.

Doch eher bin ich der Überzeugung, in einer großartigen Zeit der Kunst zu leben. Innovation, Möglichkeiten und Raum der Kunst haben in den letzten Jahrzehnten enorm zugenommen. Die Kunst hat an Freiheit, Themen, Ausdrucksmedien, Kommunikation, Verständnis und Akzeptanz gewonnen.

 

Heike Hartmann-Heesch

Dr. Sonja Hermann

 

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„I cannot close my eyes“, Colmar Schulte-Goltz M.A.

 

 

Patrick Lemke „I cannot close my eyes“

 

Patrick Lemke (geb. 1972 in Montreal, Kanada) hat seine Malerkarriere an der Universität der Künste Berlin bei Prof. Fritz Weigle begonnen. Dort malte Lemke vor allem fotorealistische Schwarz-Weiß-Arbeiten. Nach dem Wechsel an die staatliche Kunstakademie Düsseldorf zu Prof. Markus Lüpertz arbeitete der junge Künstler zunächst ungegenständlich, aber buntfarbig. Nach intensiver Beschäftigung mit der Abstraktion arbeitet Lemke heute mit 34 Jahren wieder gegenständlich. Patrick Lemke hat seinen eigenen Stil gefunden, der eine Synthese beider Richtungen darstellt.

Ästhetisch sind die Lemke-Arbeiten einem großen Publikum auffallend zugänglich; sie sind schön und vexierbildhaft zugleich. Lemkes Themenkreise sind geprägt durch seinen kunsthistorischen Referenzrahmen. Dieser wird bestimmt von Idolen wie Albrecht Dürer oder Claude Lorrain. Patrick Lemke beschäftigt sich mit Persönlichkeitskonzepten und Raumkonzepten seiner eigenen Zeit, denen er in allegorischen Szenerien Ausdruck verleiht.

Patrick Lemke hat eine vielschichtige, zeitaufwendige Technik kultiviert, bei der ihn einzelne Arbeiten Monate in Anspruch nehmen. Auf der grundierten Leinwand sprüht Lemke mit verschiedenen Lacken, zum Teil Autolacken ein abstraktes Allover. Mit Abstand, aus der Höhe einer Leiter, tropft der Maler Terpentin auf die flach am Boden liegenden Bildträger. Die Farbpigmente werden so wieder angelöst, und lagern sich am Rand der Topfen an. Um größere Tropfen auf der Leinwand erscheinen zu lassen muss der Künstler bis zu fünf Meter nach oben klettern. Über diesem Grund trägt Lemke die eigentlichen Szenerien auf.

In anderen Arbeiten hat Lemke fast ausschließlich mit durch Lein- oder Zitrusöl verdünnter Ölfarbe gearbeitet, die er auf die Bilder spritzt, wie bei „yellow excitement“ oder „circus“. Auch hier hat er die Komposition durch getropftes Terpentin oder aufgemalte Tropfen zuerst abstrakt zur Stimmigkeit entwickelt. In den neutralen Raum reiner Malerei führt Lemke dann Linien oder Flächen ein, die als Raumbühne für Figuren dienen. Kleine Jungen im Freizeitlook oder junge Männer in Anzug oder Mantel setzen Maßstäbe für Dimension und Ausrichtung der Bildräume. Bei den Figuren handelt es sich ähnlich wie bei Caspar David Friedrich häufig um Rückenfiguren, die die Betrachter stärker miteinbeziehen und ihnen die Möglichkeit zur Identifikation geben.

Die Figuren scheinen in Reflexion über sich selbst und ihre Möglichkeiten in der Welt, sie stehen am Anfang von Raumbühnen, die zitatartig sinngebend besetzt sind. So erscheinen auf der grünen Bühne des „interior of melancholy“ Möbelstücke und Accessoires für die Einrichtung. Sie verdeutlichen wie wir unserem Persönlichkeitskonzept durch die Wahl unserer Gegenstände im Rahmen eines Raumkonzeptes Ausdruck verleihen. Die meisten Arbeiten dokumentieren ein liebvolles Interesse Lemkes an seiner eigenen Generation. Lemke spielt mit Ausschnitten und offenen Bildrändern, die seine Arbeiten surrealistisch unendlich weit werden lassen.

Colmar Schulte-Goltz M.A., Kurator des kunst-raums, Raum für Junge Kunst, Essen

 

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Heike Froehlich M.A., „Himmelstudien“

 

Himmelstudien

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Patrick Lemke studierte von 1994 bis 2001 zunächst an der Hochschule der Künste in Berlin bei Prof. Weigle, danach war er Schüler von Prof. Lüpertz an der Kunstakademie in Düsseldorf, wo er auch lebt und arbeitet. Regelmäßig sind seine Werke in unterschiedlichen Galerien und Museen ausgestellt. Er erhielt verschiedene Preise, zuletzt den europäischen Preis der „Boston Consulting Group“  in München.    

Prägend für seine Arbeiten ist das Spiel mit räumlichen Wirkungen, Gegensätzen und verschiedenen Realitäten. Er schafft einfachste Bildräume, in denen geometrische Formen, aber auch andere Elemente wie Häuser, Wolken oder Lebewesen frei vom Grund in der vorderen Bildebene zu schweben scheinen. Diesen greifbaren, realen Formen stehen die Hintergründe, die in ungegenständlicher Weise gestaltet sind, gegenüber. Üblicherweise sprüht Lemke Lack auf den Bildträger und löst ihn anschließend mit Terpentin auf, wobei sich die Farbpigmente an den Rändern sammeln und es zu den typischen zerfließenden Saumbildungen kommen kann. Der Vorgang wird mehrfach wiederholt, so dass durch den fotomechanischen Effekt eine transparente, matte, aber auch vielschichtige Wirkung entsteht. Auf diese zum Teil aus 10 Sprühschichten bestehenden Hintergründe setzt Lemke dann dichtere Farbflächen, Elemente und Strukturen in Öl oder Lack. Als reale Gegenstände erkennen wir sie in prominenter Weise im Bild. Sie werfen Schatten auf die Bildfläche, Farbigkeiten sind den Lichtverhältnissen bestimmter   Tages- oder Jahreszeiten angepasst und doch verlieren die Dinge gleichzeitig ihre Realität, indem Schattenwürfe alogisch gesetzt werden, nicht zueinander passen oder auch komplett fehlen. Auch die Perspektiven, die Lemke in seinen Bildern nutzt, stellen sich für den Betrachter nicht immer eindeutig und logisch dar. So arbeitet er einerseits zentralperspektivisch, wählt häufig auch isometrische Perspektiven ohne Fluchtpunkt, Mehransichtigkeiten und Auf- und Untersichten. Die dritte Dimension interessierte auch den Niederländer Maurits Cornelis Escher Anfang des 20. Jahrhunderts, lange bevor die ersten von Computern erstellten 3 – D – Bilder die Öffentlichkeit faszinierten.

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Das 140 x 195 cm große Gemälde „Himmelstudie“ wirkt auf den ersten Blick wie ein didaktisches Schaubild. Auf den unbestimmten, blau – grau und gelb – weiß gesprühten Hintergrund sind am unteren Bildrand Farbflächen aufgesetzt, die uns an grüne Felder, Buschwerk, Landschaft mit Häusern und Straßen erinnern. Die Farbigkeit dieser Landschaftsstudie reicht von hellen, lichten bis hinzu dunklen Grünnuancen und dokumentiert damit unterschiedliche reale Lichtverhältnisse, etwa eines Frühlings- oder Spätsommertages. Weitere, diesmal von der rechten Seite eingeschobene Farbflächen  zeigen in ähnlicher Weise Blau – Grau – Töne, die Farbigkeiten eines Himmels zu verschiedenen Tages- und Jahreszeiten assoziieren.

In der vordersten Bildebene der Himmelstudie schweben einzelne kleine Wolken, die kräftig strukturiert sind. Eine Graugans mit weit ausholendem Flügelschlag betont die luftige Atmosphäre der Szenerie. Schatten der Wolken, des Vogels und der aufgesetzten Farbflächen sind nicht immer real, so wirft zum Beispiel selbst die Sonne auf der linken Bildhälfte einen Schatten. Erst durch das Aufsetzten der, mehr oder weniger, realen Gegenstände auf den ungegenständlichen Hintergrund, lässt sich dieser als Himmelsphäre mit Wolkenformationen verstehen.     

Es ist immer schwierig Künstler und Kunstwerke in ein Schema einzuordnen oder Einflüsse  bestimmter Stilrichtungen aufzuzeigen. Will man Lemkes „Studien“ in einen kunsthistorischen Kontext setzen, könnte man impressionistische Motive dahingehend wiederfinden, dass beispielsweise auch Claude Monet Landschaften mehrfach in unterschiedlichen tageszeitlichen Stimmungen gemalt hat. Eine Aufteilung des Bildganzen in kleinere Ausschnitte, wie Lemke sie in seinen Studien zeigt, könnte aber genauso durch eine kubistische Bildauffassung begründet sein.

„Vier Tropfen rot“, mit den Maßen 95 x 140 cm, ist technisch in ähnlicher Weise gearbeitet wie das großformatige Gemälde Himmelstudie. Der rot – orange farbige Hintergrund ist wieder ungegenständlich in Sprühlackschichten zu sehen. Durch Lösen in Terpentin fließen die Pigmente charakteristisch zu den Rändern, so dass der Bildgrund aus unzähligen, roten, zum Teil transparent wirkenden, übereinandergeschichteten Tropfen zusammengesetzt zu sein scheint.

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95x140viertropfenrot2004

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In der vorderen Bildebene finden sich geometrische Kreisformen, die ebenfalls vor- und hintereinander auf den Hintergrund aufgesetzt sind. Diagonal zueinander befinden sich links oben und rechts unten in farbigen Abstufungen Kleinstquadrate auf dem Hintergrund, wobei die Rechten größer gestaltet sind und Schatten auf den Grund werfen, dem Betrachter demnach näher entgegenstehen. Eine zweite Diagonale im Bild lässt sich durch eine Verbindung der eingemalten Figuren erkennen. Ihre Körperhaltung entspricht der von Sportlern z.B. Skatern oder Surfern, die quasi ohne Brett durch den freien Raum springen. Im Bild dominieren die Kreisbewegung und die Sprungbewegung der Personen, die einander gegenüber platziert sind. Die diagonale Zuordnung und die farbigen Quadrate an den Rändern geben den, im Bild kreisenden und springenden Elementen, eine gewisse Statik. Wieder lassen sich in diesem Gemälde Unstimmigkeiten im Schattenwurf der aufgesetzten Elemente finden, die rechte Figur ist nach links hin beschattet, während die rechten Quadrate den Hintergrund nach rechts beschatten.           

Eine etwas anders gestaltete Arbeit in dieser Ausstellung ist mit dem Titel „Volume“ („Lautstärke“) überschrieben. Es handelt sich um ein nahezu quadratisches Bild von  95 x 100 cm in Acryl und Öl. Besonders an der linken Gemäldeseite lässt sich ein kräftiger, homogen blau gearbeiteter Untergrund erahnen. Darüber erscheinen Acrylfarben, die aufgespritzt sind, wobei ein kräftiger leuchtend roter Farbton, neben hellorange, dunkelrot und grauen Tönen die Gesamtnuancierung dominiert. An einigen Stellen im Zentrum der aufgespritzten Farben verwischen sich die einzelnen Farbtupfen zu einem grau – roten, diffusen Gemisch, während zu den Rändern hin, Farbtropfen und Spritzer in einzelne runde Kleinstformen zersprengt werden. Ein Effekt, den man bei einer Explosion beobachten kann. Diese heftige Zersprengung gibt an einigen Stellen waagerechte und senkrechte Linien frei, welche kräftige, sich kreuzende, runde Stahlrohrstreben assoziieren. Stellenweise, etwa im Bereich des Explosionszentrums, werden diese Streben von der Detonation überlagert. In vorderster Bildebene greift Lemke nochmals statische Elemente auf. Unterschiedlich große Quadrate erscheinen im Bild, die einerseits als einfache Röhrenrahmung, andererseits als ausgefüllte Farbquadrate gestaltet wurden. Dann begegnet uns unvermittelt, über dem vermuteten Explosionszentrum, eine Dame, von quadratischer Rahmung umgeben, in antiker, smaragdgrüner, eleganter Robe. Ihre geschwungene Körperhaltung und ihr zum Himmel emporgehobener Kopf unterstreichen die Gestik der Arme und lassen vermuten, dass sie auf einer Bühne steht.

Insgesamt lässt sich dieses Gemälde besonders im Hinblick auf Harmonien und Disharmonien beschreiben: In Kontrast zur heftigen, in Kleinsttropfen zersprengten Rotfarbigkeit, setzt Lemke den homogenen, einfarbigen blauen Untergrund und die statisch wirkenden Stahlstreben und Quadrate. Entgegen aller Statik lässt sich dann wiederum das, in weichen Falten gemalte Gewand der Operndiva interpretieren. Das leuchtende Smaragdgrün steht dagegen wieder harmonisch im komplementären Kontrast zum leuchtenden Rot der Explosion. Insgesamt wirkt das Bild trotz der vermeintlichen Explosion sehr ruhig, fast wie eine Momentaufnahme.

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Heike Fröhlich M.A., Museum Baden Solingen, 2004

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Modus, Galerie Hengevoss-Duerkopp Hamburg, Heike Froehlich, M.A. & Bjoern Frahm

Patrick Lemke begann als Schüler von Fritz Weigle in der sogenannten ,Comic – Klasse‘ sein Studium in Berlin, am einzigen Lehrstuhl für Karikatur- und Bildgeschichte in Deutschland. Zeichnen, speziell das Aktzeichnen, stand dort im Mittelpunkt.

Durch den Wechsel an die Kunstakademie Düsseldorf sah Lemke seine persönlichen und künstlerischen Interessen besser gefördert. In den übergroßen Formaten seines neuen Lehrers Markus Lüpertz empfand er die malerischen Mittel, wie die starke Buntfarbigkeit, den freien Auftrag der Farbe, sowie die gestische Art der Malerei glaubhaft behandelt. Im Gegensatz zu einer durch Realismus definierten Farbgebung ist ungewollt gesetzte Farbe für Lemke ehrlicher und aussagekräftiger. Die Frage nach dem Bestand einer solchen künstlerischen Bild – und Farbauffassung, dem Bleibenden, ist für Lemke noch nicht gelöst und beschäftigt ihn auch wei­terhin.

Der unbestimmt gesetzten Farbe in der nichtge­genständlichen Malerei soll wieder eine inhaltli­che Bedeutung zukommen. Farbstreifen sind in Lemkes Bildern nicht allein gesetzte Farbe, son­dern werden zum Beispiel mit Fahrbahnstreifen assoziierbar, Farbtropfen werden zu Tropfen aus einer Regenwolke. Beliebigkeit und Willkürlichkeit der Farbe verstärken sich auch dadurch, dass thematische Motive ebenfalls frei gesetzt werden. Allein die Ordnung nach Farben und Formen kann zu den unterschiedlichsten realen Umsetzungen führen. Ein gelber Punkt kann eine Sonne, eine Goldmünze oder eine Zitrone assoziieren, wobei unwichtig ist, welcher Gegenstand tatsächlich im Bild auftaucht. Relevant für Lemke ist, dass er den Kriterien von Form und Farbe entspricht.

Computer und Computerzeitschriften bilden die Ideengrundlagen vieler seiner Bilder. Die neuarti­ge Farbigkeit der technischen Welt empfindet Lemke als Herausforderung. Farbtöne, aus ,Lightmaps‘ entliehen, kommen so in der Natur eher nicht vor, werden aber trotzdem mit ent­sprechenden natürlichen Gegenständen verein­bar. Einflüsse aus der Welt der Computerspiele zeigen sich auch bei der Wahl isometrischer Perspektiven ohne Fluchtpunkt in den Gemälden. Es entstehen einfachste Räume, in denen geometrische Formen, frei vom Grund, Bildausschnitte darstellen und als unterschiedli­che Motive erkannt werden. Wie bei Computerprogrammen wird Haptisches symboli­siert.

 

Im Gemälde „Modus“ wird der Betrachter bei­spielsweise an eine Explosion erinnert, die er in einem Flugzeugcockpit erlebt. Die Explosion ist durch kräftiges ,zersprengtes‘ Rot sichtbar gemacht. Stahlstreben sind ins Bild gerückt und imaginieren die Form eines Cockpits. Kleinstteile, assoziierbar mit Schaltknöpfen und Drehreglern, haben keine Position mehr inne und befinden sich frei im Raum. Kreisformen werden als Bedienungseremente aus der Computerwelt in greifbare Formen gebracht, sind aber illusionistisch und funktionslos. Lemke greift hierbei die Designkomponente austechni­schen und digitalen Geräten auf.

„Gruß an Giovanni“ zeigt einen Ausschnitt eines Tempelbaus. Thema des grafisch wirkenden Gemäldes ist das Spiel mit räumlichen Details. Allein die Dichte schwarzer Linien erzeugt zwangsläufig eine räumliche Wirkung. Dunkle, sehr dichte Linien rücken in den Vordergrund ebenso wie größere, schwarze Farbtupfer weiter vorne positioniert zu sein scheinen. Dagegen treten dünnere, transparent wirkende Linien und Tropfen mehr nach hinten.

Heike Fröhlich, M.A. & Björn Frahm, Galerie Hengevoss-Duerkopp, Hamburg

 

 

Volkhard Sanne, „sleeping screens“

 

 

 

„sleeping screens“

 

 

 

Die Arbeiten von Patrick Lemke vermitteln dem Betrachter das Gefühl, mit einer neuen Form der Malerei konfrontiert zu sein. Eine Form, die sich mit dem gängigen Vokabular schwer beschreiben lässt. Sie ist abstrakt wie zugleich auch gegenständlich. Diese Art zu malen, lässt unschwer den Einfluss seines Lehrers Markus Lüpertz, dessen Meisterschüler und Preisträger er war, erkennen.

Lüpertz äußerte sich in einem Interview mit dem Charlottenburger Kunstmagazin 1984 so: „Wir (die neuen Wilden) malten abstrakt– mit gegenständlichen Dingen; wir nahmen den Gegenstand nicht als Bedeutung oder Inhalt, sondern als unsinnigen, gewissermaßen in einer dritten Art der Abstraktion. Uns interessierte nicht der Inhalt, den er darstellte, sondern seine Magie, was durchaus ein surreales Moment hat, präziser ein poetisches Moment.“

Patrick Lemke neigt zu Gegensätzen bis hin zur Provokation. Es fällt eine Polarität zwischen Realismus und Abstraktion ins Auge: gegenständliche Malerei bis hin zu naiven versus romantischen Grundauffassungen, die er abstrakt umsetzt.

Patrick Lemke hat mit der Zeit ein Repertoire verschiedener Gestaltungselemente geschaffen, aus dem er immer wieder neue und sich doch ähnliche Bilder formt. Die Bildstruktur der einzelnen Werke wird oft nur geringfügig variiert, so dass sie sich zu seriellen Gruppen zusammenstellen lassen.

Patrick Lemkes Formensprache assoziiert Verwandlung und Beschleunigung, Linien, Kreise, Quadrate und Rechtecke schaffen zusätzliche Bildebenen. Große Formate überwältigen nicht, sondern binden den Betrachter psychisch wie physisch in das Bildgeschehen ein. Seine Bilder verlangen selbstbewusste, emanzipierte Betrachter, sie lösen beim Betrachter einen intellektuellen Vorgang aus. Es lohnt sich, sie lang genug genau zu betrachten, Sehschablonen zu verlassen, die Gelegenheit zu nutzen, in die Schule eines anderen Anschauens zu gehen.

Ist es ein Abendhimmel, glutrot bei untergehender Sonne am Meer, wir alle können uns an derartige Momente sicherlich erinnern, Bin ich ein so kleiner Mensch, wie ihn Patrick Lemke auf dem Bild „4 Tropfen Rot“ gemalt hat. Unendlich klein vor diesem großen Panorama, dennoch groß genug, um einen langen Schatten zu werfen. Sind es Gedanken oder Träume, die dieser Mensch vor dieser wunderbaren Naturkulisse freisetzt? Aufsteigen lässt in Form dieser immer größer werdenden Kreise. Seifenblasen ähnlich, die möglicherweise bald zerplatzen oder werden sie über den Bildrand hinaus getragen – ja wohin?

Handelt es sich bei einem anderen Bild mit grün als dominante Farbe, um einen Waldrand, vor dessen Kulisse wir uns aufbauen, unser kleines Interieur schaffen?

 gruenstudie(staffage)95x140_2004

Oder das Titelbild unserer Einladung. Welch Füllhorn wird hier ausgeschüttet? Musikliebhaber werden vielleicht im Überschwang der Gefühle einen bunten Strauß von Tönen erkennen wollen, sich in ein Furioso versetzen können. (Ich habe mittlerweile erfahren, dass die Inspiration zu dem Titelbild der Einladung, „Istanbuler Gelb“ einen anderen Ursprung hat. Er geht auf die Mosaikmalerei in einem Istanbuler Harem zurück: Es stellt sich natürlich gleich die Frage: Was hat der Künstler…, aber diese Frage stelle ich hier nicht, ich wollte auch nur wissen, warum gelb?) Wie auch immer, für mich setzt sich der Künstler während seiner kreativen Prozesse mit der Natur auseinander, gleichsam auch mit sich selbst, als Teil der Natur.

Patrick Lemke will die Natur nicht illustrieren. Seine Reflexion der Natur ist in eine Bildsprache übersetzt, die wir weder, wir sind wieder bei Lüpertz, als abstrakt noch als gegenständlich bezeichnen können. Wie soll man seine Kunst bezeichnen? Hat Patrick Lemke bereits in so jungen Jahren eine individuelle und unverwechselbare künstlerische Sprache entwickelt? Wenn man das Interesse von Galeristen, Kuratoren von Ausstellungen und Messen, Auslobender von Stipendien, sowie eines kleinen Kreises von Sammlern richtig interpretiert, vermutlich ja. (Für das augenblickliche Stipendium der Starke Foundation Berlin wurde er aus Kreis von mehreren Hundert Bewerbern ausgewählt).

Patrick Lemkes Bilder haben, durch lange Trocknungszeiten, oft einen mehrwöchigen Entstehungsprozess. Er malt meist mit Öl und sprüht Lack, oft in mehreren Arbeitsschritten, in mehreren Schichten, auf grundierte Leinwand. Er lässt Farbe aus größeren Abständen auf die auf den Boden liegende Leinwand tropfen um sie unter zur Hilfenahme von Terpentin aufzulösen und in seine für ihn typischen Farbflächen zu verweben.

 

 Volkhard Sanne